Tras mi experiencia con [REC]y[REC]2, películas que optaban por una narrativa mucho más cercana a la televisión en directo y al falso documental que a un lenguaje de cine más convencional, me apetecía retomar los elementos más clásicos del thriller.
Enseguida caí rendido ante aquella historia clásica de suspense y de maldad, tal vez mil veces contada antes, pero confeccionada esta vez a partir de la materia prima de la realidad más cercana y de lo cotidiano. Y esto la hacía para mi profundamente atractiva y aterradora.
Nuestro hombre no era un asesino al uso, ni un torturador, ni un secuestrador obsesivo.
Éste era distinto: un personaje tan malvado y perturbado como tantos otros, pero con una personalidad y un modus operandi completamente novedosos.
Aquí no era cuestión de matar, de torturar, ni siquiera de abofetear, ya puestos. Porque el nuestro era un psicópata que teje su maldad desde las pequeñas cosas que nos rodean, los elementos más insignificantes de nuestro entorno.
Y esto lo hacía mucho más sutil, mucho más retorcido y peligroso. Y, sobretodo, mucho más plausible y cercano.
Y esa era la trampa. El retrato era tan próximo y tan minucioso que de pronto te descubrías encubriendo la maldad, compartiéndola, casi habiendo tomado partido por ella. Y eso era lo más aterrador.
Así que decidí que aquella iba a ser mi siguiente película.
Porque suponía un reto para mí: jugar con el suspense en dos direcciones opuestas, a favor de la víctima o del verdugo según el momento.
Y porque en el fondo, y esto me fascinaba, aquella historia era en realidad un cuento infantil (un personaje terrible y cruel que acecha a su víctima inocente y pura) reformulado en formato adulto y muy, muy perverso.
Y porque siempre me ha asustado lo que puede estar ocurriendo a mi alrededor mientras duermo.
Una de las criaturas más representadas en el cine de terror ha sido sin duda el hombre lobo. Este ser, mitad bestia, mitad humano, ha sembrado el pánico en las pantallas desde 1935; fecha en la que se estrenó Werewolf of London convirtiéndose en la primera película en la cual aparecía el hombre lobo como un ser antropomorfo que, bajo el influjo de una metamorfosis, mataba a la mujer de quien estaba perdidamente enamorado. Así se establecía desde el primer momento este cánon en el que la bestia descontrolada intenta destruir aquello que ama (situación muy recurrente en el cine de monstruos y criaturas). La producción pertenecía a Universal Pictures, famosa en los años treinta y cuarenta por las películas en las que aparecían seres terroríficos. En este caso, el sujeto era un científico aristócrata de Londres que tras la transformación conservaba buena parte de su aspecto humano.
Pero fue quizás en 1941 cuando se rodó la película por excelencia sobre hombres lobo que establecería buena parte de los mitos repetidos una y otra vez en el cine de esta temática. Se trata de The Wolfman, producción que corría también a cargo de Universal y dirigida por George Waggner. La historia se inspira directamente en los relatos tradicionales de licántropos y, aunque en la actualidad los efectos puedan llegar a producir cierta risa, en aquella época supuso uno de los mejores trabajos de maquillaje y diseño vistos hasta entonces. En cuanto a su legado, hay que mencionar que añadió a los cuentos del folclore popular varios aspectos que hoy en día son imprescindibles a la hora de crear una película sobre hombres lobo: desde el influjo de la luna para su transformación, hasta la resistencia a todas aquellas armas que no estén fabricadas con plata, pasando también por el contagio por medio de sus mordiscos o zarpas.
En An american werewolf in London, la capital inglesa volvía a convertirse en el escenario de los crímenes de este ser. La película es ya un filme de culto que combina cierto tono de humor típico de las películas para adolescentes de Estados Unidos con el terror que ya producían los licántropos. Siendo ganadora de un Oscar al mejor maquillaje, sorprende siempre por su peculiar transformación. Esta obra junto con The Howling, ambas de 1981, destacan en una larga lista que toma al hombre lobo como su supremo protagonista. La última de ellas, un remake de The Wolfman, metamorfoseaba a Benicio del Toro en un terrorífico ser inspirado en su aspecto en las primeras películas del género.
El hombre lobo ha sido además un fiel invitado en las películas de vampiros de las cuales os hablábamos la semana pasada. Obras como Van Helsing, Underworld o incluso la saga adolescente Crepúsculo han hecho que ambos seres compartieran pantalla. También ha sido representado en muchas más películas de terror y ficción alejadas de la temática que van desde Harry Potter y el prisionero de Azkabán, hasta el moderno cuento de caperucita roja que se mostraba en The Company of the Wolves, en la que el lobo es en realidad un licántropo que pretende acabar con la virginidad de la dulce caperucita (obra que también ha servido de base para películas como la actual The Red Riding Hood).
Tras este breve repaso al origen de uno de los grandes mitos del cine de terror, os dejo con la ya mencionada transformación que sufría David Naughton en An American Werewolf in London.
En el Empire Presents Big Screen, rodeado de zombies y cara de circunstancias
Las escaleras de acceso a algunas de las salas, a primera hora de la mañana del viernes.
Anthony Daniels, (C3-PO) durante la presentación mundial en exclusiva de las primeras imágenes en Blu-Ray de la saga Star Wars, de inminente lanzamiento.
El stand de Paramount estaba governado por un cowboy con muy malas pulgas que amenazaba y retaba en duelo de revólveres a los forasteros. Todo, con el fin de promocionar una película como Cowboys & Aliens, de la que a uno sólo le queda para el recuerdo la siguiente pregunta: ¿fue Iron Man un golpe de suerte para John Favreau?
Kill List se presenta como una revolución dentro del cine británico en general y una nueva vuelta de tuerca al género de terror en particular. El director Ben Shepherd se unió a los protagonistas Neil Maskill y MyAnna Buring.
Si en la rueda de prensa tuve un encontronazo con las tropas imperiales, durante el fin de semana tropecé con uno de los robots de Real Steel (izquierda)y vistas las imágenes que colgamos hace unos días en Planta 13, me alisté como cazador de Trolls al más puro estilo Troll Hunter.
Michonne, personaje de los comics para The Walking Dead
Como ya viene siendo habitual en Planta 13 aprovechamos los fines de semana para hablar de series. Esta semana le toca el turno a los nuevos videos de The Walking Dead, una serie que cada vez gana más adeptos y que ya tiene fecha oficial de estreno en España, apenas veinticuatro horas después de que la serie se lance en la cadena AMC, donde se emitirá en el prime time del domingo 16 de OCtubre. FOX España estrenará el primero de los nuevos episodios el lunes diecisiete, a las 22.25. La serie se emitiré en esta franja horaria todos los lunes a partir de ese día.
Sobre los nuevos personajes, Frank Darabont ha hablado específicamente de la introducción de Michonne, uno de los favoritos de los seguidores de los cómics, pero aún no se sabe quién será el actor que le interprete.
The Woman es la última superviviente del feroz clan que ha estado en la costa noreste durante décadas. Cuando el último miembro de su familia muere en una pelea con la policía, la mujer se encontrará sola, severamente herida y vulnerable. Ahora es una presa fácil para el cazador local, el abogado de éxito y hombre gravemente perturbado Christopher Cleek, quien se embarcará en un desquiciado proyecto: capturarla y hacerla pedazos. Por supuesto, la decisión no tardará en amenazar su vida, la de su familia y la de "La Mujer". Dirige Lucky McKee y que protagoniza Angela Bettis.
Siguiendo su consolidación e influencia dentro del line-up del Festival, la sección Noves Visions se presenta este año como un espacio dedicado a las propuestas más innovadoras y transgresoras. En esta edición apuesta por la presencia de grandes autores ya consagrados así como por nuevos valores, siendo destacable la presencia de trabajos realizados por mujeres.
Una selección que combina grandes nombres del cine contemporáneo y autores jóvenes con trayectoria en el circuito de festivales.
-The Day He Arrives (Sang-soo Hong): Un juego de metalenguaje en la película más accesible del maestro coreano.
- Vampire (Shunji Iwai): El director de All About Lily Chou-Chou viaja a Norteamérica para explorar la angustia juvenil en clave genérica y homenajeando al Martin de George A. Romero.
- 22 mei (Koen Mortier): El realizador de Ex Drummer vuelve para explorar la paranoia actual post 11-S.
- 4:44: The Last Day on Earth (Abel Ferrara): Un ejercicio reflexivo e íntimo del realizador de The Addiction en torno al miedo al fin del mundo.
- Kotoko (Shinya Tsukamoto): El retorno del director de Tetsuo al cine de horror más reflexivo y transgresor.
- Hanezu no tsuki (Naomi Kawase): Una meditación en clave mitológica de la pérdida de valores trascendentes en la sociedad actual.
- La belle endormie (Catherine Breillat): Una versión muy personal y atípica del cuento de Perrault.
- The Tempest (Julie Taymor): Adaptación espectacular y fantástica de una de las más extrañas obras de Shakesperare por la realizadora de Titus y Frida.
- Le petit poucet (Marina de Van): Otra versión femenina y atípica de un famoso cuento infantil por parte de la directora de Don’t Look Back.
- Beyond the Black Rainbow (Panos Cosmatos): Inquietante ejercicio de ciencia-ficción que hunde sus raíces en la tradición del género en los años 70 y que fue una de las sensaciones del festival de Tribeca de este año.
Confirmación del auge del documental de creación que viene proyectándose en las pasadas ediciones del festival.
- Arirang (Kim Ki-duk): Ejercicio autoreflexivo del director de La isla, ganador de la sección Un Certain Regard en Cannes 2011.
- Magic Trip: Ken Kelsey's Search for a Kool Place (Alison Ellwood y Alex Gibney): Reconstrucción del viaje psicodélico de Ken Kelsey y un apasionante estudio de la cultura del LSD.
- Project Nim (James Marsh): El oscarizado director de Man on Wire se sumerge en un fascinante experimento sobre la inteligencia animal.
- The Bengali Detective (Philip Cox): Una mezcla de documental social y comedia que explora de manera sorprendente la compleja sociedad de la India actual.
- Knuckle (Ian Palmer): Impresionante documental sobre boxeo callejero.
- Resurrect Dead: The Mystery of the Toynbee Tiles (Jon Foy): Ganador en Sundance como mejor director de documental y un auténtico experimento de ciencia-ficción con dosis de paranoia milenarista.
Una selección de títulos realizados desde postulados independientes, experimentales e indagando nuevas posibilidades del lenguaje cinematográfico y el género fantástico.
- Vlogger (Ricard Gras): Experimento audiovisual de producción catalana que traduce en trama de ficción la mezcla de material de la red y ficción genérica. Tendrá su estreno mundial en Sitges.
- Hellacious Acres: The Case of John Glass (Pat Tremblay): El apocalipsis como temática, esta vez jugando con texturas e imágenes y prescindiendo del diálogo.
- Invasion of the Alien Bikini (Young-doo Oh): Película de superhéroes, con grandes dosis de cultura pop y comedia enloquecida. Una sorpresa que va más allá de su título.
Una selección de propuestas de autor con vocación de culto:
- Onna no kappa (Underwater Love) (Shinji Imaoka): Indescriptible mezcla de pink eiga y musical protagonizado por una criatura mítica nipona. Con fotografía de Christopher Doyle.
- Meat (Victor Nieuwenhuijs y Maartje Seyferth): Las fantasías eróticas de un carnicero en un filme que experimenta texturas que recuerdan a Lynch o Greenaway.
- Kaidan Horror Classics (Shinya Tsukamoto, Msayuki Ochiai, Sang il-lee, Hirokazu Koreeda): Un filme ómnibus entorno a leyendas tradicionales de terror dirigidas por maestros como Tsukamoto o Koreeda.
The Troll Hunter es un falso documental que cuenta como un grupo de estudiantes descubren una conspiración en la que el Gobierno Noruego oculta a la sociedad la existencia de un grupo de trolls que viven en el norte del país. Aun no tiene fecha de estreno en España aunque se rumorea que se proyectará en Sitges. El filme está dando la vuelta al mundo de festival en festival y se estrenará en Inglaterra en Septiembre.
Sinopsis:
El Gobierno dice que no hay nada de lo que preocuparse. Que sólo es un tema de osos creando problemas en los bosques de Noruega. Sin embargo, los cazadores de la zona no se lo creen, como tampoco lo hacen tres estudiantes que deciden intentar averiguar la verdad. Armados con una cámara de video, deciden unirse a una especie de cazador furtivo que no quiere saber nada de ellos. Sin embargo, su persistencia les lleva a embarcarse en un viaje para cazar Trolls, una aventura llena de riesgos en la que documentarán en video cada encuentro de este "cazador de Trolls" con unas criaturas que hasta ahora sólo existían en la imaginacion de los cuentos.
Parece que los vampiros se hayan convertido en una moda de los últimos tiempos: películas, series, sagas adolescentes, libros… Nada escapa a un tema que parece tan nuevo y que en realidad lleva con nosotros más de un siglo, literalmente.
A pesar de lo que muchos puedan pensar, Nosferatu no fue la primera película donde aparecían vampiros. Y es que estos seres ya habían llegado a las pantallas hacía más de 25 años cuando esta se estrenó. Concretamente, fue en 1896 cuando el famoso “mago del cine” George Méliès, conocido por sus trucajes y sus efectos, rodó la primera historia de vampiros que recibía el título de La mansión del diablo (La Manuir du Diable). Lo curioso de esta película es que antecede a la publicación de Drácula, novela de Bram Stoker que popularizó los vampiros a nivel mundial. Diecisiete años más tarde e inspirado por un poema con el mismo nombre, Robert G. Vignola dirigió The Vampire (1913), un filme en el que unas bellas mujeres seducían a los hombres llevándoles a la perdición.
Sin embargo, se tuvo que esperar a la primera versión cinematográfica de la ya mencionada novela de Stoker para mostrar a los vampiros como los seres escalofriantes y sobrenaturales que vemos en las pantallas hoy en día. No cabe duda de que la más conocida e influyente de estas adaptaciones ha sido Nosferatu (1922). Murnau trató de hacerse con los derechos de Drácula y, una vez le fueron denegados, decidió filmar su propia versión de la historia conservando los personajes principales, pero eliminando las subtramas y personajes secundarios (algunos, como Van Helsing, nutrirían posteriormente las historias de vampiros). El resultado fue una una película con argumento similar al de Stoker, pero con un simple cambio de nombres como el de Drácula por Nosferatu o el del Conde Drácula por el Conde de Orlok. Esto conllevó que la viuda de Stoker demandara el filme y que, tras ganar el juicio, se ordenara destruir todas las copias del mismo. Pero gracias a la pasión por el cine de algunas personas, un pequeño número de estas copias permaneció escondido por distintos países hasta la muerte de la demandante, lo que permitió posteriormente su reproducción y distribución.
La obra, considerada uno de los ejemplos sublimes del expresionismo alemán, podría verse como el pistoletazo de salida de toda la historia del cine de vampiros. Su maravillosa utilización de la luz y las sombras ha servido de inspiración a abundantes directores del cine de terror; así como el brillante uso narrativo del picado y contrapicado (práctica no muy usada hasta este momento) que sirvió para mostrar a Nosferatu como el máximo paradigma del mal. Pero si hablamos sobre la influencia de Nosferatu en el cine de terror, no podíamos dejar de mencionar la estructura narrativa basada en la ruptura de una barrera imaginaria entre la seguridad y el horror. Era Hutter, víctima del vampiro, quien tras cruzar un puente simbólico y realizar un viaje en barco, se adentraba en el lado oscuro del terror. Este tipo de ruptura sigue siendo utilizado por numerosos films de terror actuales como Poltergeist o The ring, aunque con distintas aplicaciones y resultados.
Nosferatu estableció también dos subgéneros de vampiros a los que se ha ido recurriendo a lo largo de los años. Se trata de la distinción entre los vampiros "tipo Nosferatu", con características mutantes y enfermizas, físico similar al de un roedor y sin ningún tipo de atractivo sexual o erótico; y el tipo Drácula, ejemplo de clase y distinción y con una gran capacidad de seducción para atraer a sus víctimas.
A la obra de Murnau le han ido sucediendo a lo largo de los años un abundante número de películas con grandes relatos sobre vampiros, cada uno de ellos con un aporte distinto de originalidad: desde la propia revisión y homenaje de la misma en Nosferatu, el vampiro de la noche (1979), hasta ver a Will Smith tratando de exterminar una plaga mundial en Soy Leyenda (2007). Son muchos de estos relatos los que se han convertido en grandes títulos de la historia del cine como The Bat, El ataúd maldito, Drácula, El baile de los vampiros, El ansia, Entrevista con el vampiro, Que no se entere mamá, Los viajeros de la noche o La sombra del Vampiro en la que se muestra la historia ficticia del rodaje de la primera Nosferatu. Con ella cierro este pequeño capítulo sobre los primeros vampiros de la historia del cine, con la promesa de profundizar muy pronto sobre algunos aspectos y personajes relacionados con los mismos.
American Horror Story es una nueva serie que promete mezclar sensualidad y terror a partes iguales según la promo que tenéis al final de esta entrada. Según la sinopsis oficial este thriller seguirá las aventuras de Ben (McDermott) y de su esposa Vivien (Britton), que dejan Boston para instalarse en una casa de San Francisco con el fin de reconstruir su familia tras diversas desventuras (un aborto natural y un lío). Conroy y Alexandra Breckenridge (True Blood) encarnarán el mismo papel, el de Moira O’Hara, una chica para todo que trabajó en la casa acosada durante años. Aparecerán bajo los rasgos de una sexagenaria a los ojos de Vivien mientras su marido la ve bajo una apariencia más joven (la de Breckenridge). Jessica Lange interpretará a una vecina curiosa de la familia, mientras que Denis O’Hare (True Blood) será un antiguo residente de la vivienda.
¿Qué está pasando con el género de terror en los videojuegos?
No, en serio. ¿Qué demonios está pasando? ¿En qué momento perdió la industria el norte, olvidándose del auténtico significado del concepto de survival horror? La esencia de aquel género ha desaparecido, envuelta en una espesa niebla de apuestas seguras por franquicias interminables, escasez de ideas genuinas, arquetipos archiconocidos y una acumulación de tópicos descerebrados un tanto preocupante.
Ese es el resumen de lo que estamos viendo estos días durante la Gamescom 2011, la convención de videojuegos europea más importante del año. Y aunque lo dicho parezca una opinión personal, hablamos de una realidad tangible. Basta con echar un vistazo a los juegos presentados hasta el momento, los cuales, aunque muchas veces están lejos de ser productos pobres (no nos equivoquemos, calidad hay), cumplen con la norma general.
Cliché nº 1_Zombis
Iniciamos nuestro repaso de lo que está dando de sí la feria con un nuevo título de los creativos de Grasshooper Manufacture (responsables entre otros de No More Heroes y el reciente Shadows of the Damned, del que ya os hablamos en el especial del E3 de este año). Si decimos que la protagonista es una animadora ligera de ropa que le encanta chupar chupa chups y trocear zombis con una motosierra gigante, ¿a qué tipo de público pensáis que se dirige este juego? En Lollipop Chainsaw interpretamos a Juliet Starling, una apasionada lolita que vive en su propio mundo color de rosa recubierto de confetis y azúcar. Cuando su instituto californiano se ve repentinamente infestado por una horda de zombis hambrientos, el jugador deberá dar buen uso a sus espectaculares habilidades al más puro estilo Buffy Cazavampiros para sacarla del atolladero.
En su aventura le acompañará la cabeza parlante de su novio, que por alguna razón aún desconocida Starling llega colgada de su minifalda. El juego promete sangre y acción descerebrada a raudales acompañados de ojeadas ocasionales a la ropa interior de la joven protagonista. Pero para hacerse una idea clara del resultado final, nada como ver el primer tráiler del juego, que saldrá al mercado el próximo año para Playstation 3 y Xbox360.
Seguimos con la saga Call Of Duty, cuyas expansiones infestadas de soldados zombis parecen últimamente más populares que los propios juegos (¿alguien se acuerda de cuando COD era un juego sobre la Segunda Guerra Mundial?). Si hace algún tiempo os hablamos de Call of the Dead, Activision vuelve a la carga con un nuevo pack de pura orgía sangrienta para su Black Ops llamado Rezurrection. Podemos esperar más de lo mismo visto en anteriores títulos, con cinco nuevos escenarios que incluyen un pantano, una localización nocturna, un manicomio, una fábrica y el más original de todos: la Luna. Para hacerse una idea de lo que será masacrar zombis sobre la superficie lunar basta con echar un vistazo al siguiente tráiler, no apto para sujetos con hematofobia. El pack saldrá en exclusiva para Xbox360 este 23 de Agosto, apareciendo más tarde en el resto de plataformas.
Por su parte Sega sigue en su línea y lanza un nuevo tráiler para Rise of Nightmares, con el mismo estilo sangriento/inocente que aquellos que os mostramos recientemente. Esta vez profundiza un poco más en el argumento, ya que ahora sabemos que interpretaremos a un turista americano de vacaciones por Europa con su mujer. Tras un accidentado viaje en tren, tanto el protagonista como el resto de pasajeros terminan en un castillo aparentemente abandonado. Aparentemente, porque en realidad está poblado por zombis, monstruos, y como colofón un científico desquiciado al más puro estilo Jigsaw. ¿Quién da más? El viaje comienza el 9 de Septiembre para los usuarios de Kinect.
Cliché nº 2: Vampiros
El siguiente anuncio sí que resulta de los más sorpréndete, porque vamos a hablar de InFAMOUS 2. ¿Y qué tiene que ver este título de acción y ciencia ficción con el género de terror? Pues nada… hasta el último anuncio de Sony, quien revelaba durante la Gamescom el primer contenido descargable de la exclusiva de Playstation 3. El pack, titulado Festival of Blood (El Festival de la Sangre), no requerirá del título original para poder jugarse (como ya ocurriera, por ejemplo, con los Episodios de Liberty City respecto a Grand Theft Auto IV).
En cuanto al argumento, gira en torno a los vampiros que han inundado New Marais (la ciudad en la que vive el protagonista, basada en Nueva Orleans). El antihéroe Cole Macgrath ha sido mordido, y ahora sólo dispone de una noche para recuperar su alma y salvar la ciudad. Eso sí, para ello deberá acabar con el líder de los vampiros. De acuerdo con Sucker Punch la idea es explorar el lado más oscuro del universo InFAMOUS, ofreciendo al jugador nuevas misiones, escenarios, personajes,…
¿Ha sido una idea acertada mezclar InFAMOUS con la mitología vampírica? Sólo el tiempo lo dirá. De momento ya pueden verse las primeras imágenes del dlc, que incluyen a Cole clavando sus colmillos a una civil. La expansión estará disponible a través de Playstation Network a partir de Octubre de este mismo año.
Cliché nº 3: Niños demoníacos
Cuando uno piensa en niños endemoniados, la mente vuela hasta leyendas cinematográficas del género como El Exorcista, La Profecía, El Pueblo de los Malditos o Los Chicos del Maíz. Este concepto se ha traslado no pocas veces al sector de los videojuegos, entre cuyos últimos exponentes destaca Alma de la saga F.E.A.R (personaje muy en la línea de lo que fuera Samara en La Señal).
Partiendo de este concepto Shiver Games (una pequeña desarrolladora finalndesa que inicia su andadura en el género con este juego) presentó durante la Gamescom el tráiler debut de Lucius, cuyas primeras imágenes recuerdan demasiado a las andanzas de Damien. Tanto, que si el título hubiera sido La Profecía: El Videojuego, no nos habría sorprendido lo más mínimo. Incluso se adivina un cierto homenaje a El Resplandor, con ese siniestro paseo en triciclo por un largo pasillo.
Aún se desconoce el argumento, salvo que el título girará en torno al pequeño Lucius y sus maldades encubiertas. Lo curioso es que el jugador asumirá su papel, por lo que deberemos matar a diversas personas sin que nadie note que estamos detrás de los crímenes (especialmente el concienzudo investigador que estudia el caso), ya que al fin y al cabo sólo somos “un niño inocente”. El juego saldrá en exclusiva para PC en algún momento de este mismo año.
Cambiando de juego, de todos los títulos mencionados en este artículo Amy es probablemente el más interesante, ya que apuesta más que ningún otro por el terror psicológico en vez de por ríos de sangre gratuita. Eso sí, sin dejar de lado (sigh) a los habituales zombis entre otros monstruos. El juego de la francesa VectorCell se sitúa en el año 2034, un futuro poco prometedor consumido por el calentamiento global y sus consecuencias. Entre ellas están los desastres naturales, como el meteorito que cae sobre el pequeño pueblo norteamericano de Silver City.
Cuando Lana (una de las supervivientes) despierta en medio del desastre, descubre no sólo que el pueblo se ha convertido en un infierno caótico, sino que además la mayoría de sus habitantes se han trasformado en violentas criaturas. Su único objetivo es escapar del lugar, a pesar de saber que el virus que ha infectado a sus vecinos está dentro de ella luchando por salir. Le acompañará en su viaje Amy, una misteriosa niña con la que intentará sobrevivir a los infectados, monstruos, fuerzas especiales e incluso a otros supervivientes que pueblan el lugar. El nuevo tráiler apunta a que las cosas no van a ser fáciles para la pareja. Amy saldrá en exclusiva para Playstation 3 a través de Playstsation Network a finales de este mismo año.
Con este repaso cerramos nuestra primera inmersión en la cita europea con el videojuego. No olvidéis pasaros por Planta 13 para conocer todas las novedades de las que informaremos en los próximos días. Hasta entonces, confiemos en ver nuevos y jugosos títulos mientras dejáis que la oscuridad os envuelva.
Ya se ha dado a conocer la programación del Fantastic Fest de Austin (Texas). Destaca la participación española con Jaume Balagueró, uno de los nombres ya consagrados que acude al festival con su nueva película, Mientras Duermes , que tiene a Luis Tosar y Marta Etura como protagonistas. Él es César, un conserje de un bloque de viviendas, y ella Clara, la nueva y feliz inquilina. César tiene un problema serio con la felicidad ajena y hará todo lo que esté en su mano para convertir a Clara en una infeliz. Podrá verse también en Sitges y es una de las más esperadas por los aficionados.
Por su parte, Extraterrestre, de Nacho Vigalando, nos ofrece nueva sinopsis para ir abriendo boca y también será parte del festival, donde el director ya consiguió salir premiado por Los Cronocrímenes: Julio se despierta con una resaca monumental. Mientras se va espabilando se da cuenta de que no está en su propia cama. Se presenta a Julia, su aparente ligue de la noche anterior, y comienzan la típica conversación forzada. Julia quiere que se vaya de su piso tan pronto como sea posible. Pero mientras él va cogiendo sus cosas se dan cuentan de que todo está demasiado tranquilo, incluso para ser Domingo. Una vistazo rápido por el balcón les hace ver que no hay nadie en la calle. Miran hacia el fondo y ven una descomunal nave espacial asomándose en el horizonte. Mientras tratan de entender qué están viendo, aparece junto a ellos Ángel, el vecino de Julia. Ángel les informa sobre la invasión alienígena, y empieza a notarse que Ángel esta obsesionado con Julia y que puede que incluso la espíe en su piso. Cuando Carlos, el novio de Julia, llega a casa, las cosas se complican aún más. Los cuatro deberán encontrar una forma de sobrevivir tanto fuera como entre ellos, y a ser posible dar cierto sentido a la situación.
En estos tranquilos días veraniegos pocas novedades terroríficas podemos anunciar, aunque confiamos en que la cercana Gamescom que se celebrará en los próximos días en Colonia (Alemania) traiga consigo más de una sorpresa. Como aperitivo previo os dejamos algunos trailers que, al margen de la calidad del producto, se distinguen por su originalidad. ¿Son o no efectivos? Eso lo dejamos a vuestra opinión.
Abrimos con dos nuevos anuncios para Rise of Nightmares, aquel juego del que ya os hablamos y que supone la primera incursión del género de terror en la novedosa Kinect de Microsoft. Un título exclusivo para Xbox 360 en el que literalmente tendremos que mover todo el cuerpo para explorar un siniestro castillo y hacer frente a sus demoníacos inquilinos. En las nuevas presentaciones tenemos en primer lugar una sucesión de escenas gore acompañadas con música y efectos dignos de Benny Hill, seguido por una abuela bastante gamberra que está hasta la coronilla de los juegos de baile de sus nietos. ¿Qué opináis del nuevo enfoque de Sega para promocionar su novedoso proyecto?
Cerramos esta pequeña sección con un juego para iPad y iPhone que nos ha llamado la atención llamado Zombie Minesweeper (que podríamos traducir como el Buscaminas Zombi). Desarrollado por Frogtoss, interpretamos a una niña que tiene que sobrevivir en un entorno plagado por animales zombificados sobre una suerte de tablero virtual. Pero cuidado, porque además hay minas por todas partes y no distinguen entre vivos y muertos. En su ingenioso primer tráiler se nos explica la mecánica de la particular cadena alimenticia zombi, que deberemos tener en cuenta a la hora de enfrentarnos a estas insistentes criaturas.
En los próximos días iniciaremos nuestra cobertura del lado más oscuro de la Gamescom. Hasta entonces, os espero en la oscuridad.
Esta es una de esas películas que parecen un intento de repetir el éxito de 300, pero que no creí que pudieran conseguirlo. Ahora, tras haber visto este fin de semana en el Empire Presents Big Screen un trailer exclusivo (que acaba de salir a la luz en MSN) y, fundamentalmente, después de ver el clip que pusieron en el panel, le doy un voto de confianza a nivel visual, aunque la historia no dice gran cosa.
Inmortals cuenta cómo el enloquecido rey Hiperión (Mickey Rourke) declara la guerra a la Tierra tras reunir un sangriento ejército con soldados que él mismo insistió en desfigurar. Tras quemar Grecia decide emprender la búsqueda del arco de Epiro, un arma de poder inimaginable: el que la posea podrá despertar a los Titanes, encarcelados en el monte Tártaro desde el principio de los tiempos. Pero en la Tierra no desfallece la ilusión por sobrevivir: un campesino llamado Teseo (Henry Cavill) es guiado por Zeus (Luke Evans) para encabezar la revuelta.
El director de origen indio Tarsen Singh (The Fall: El sueño de Alexandria), se adentra en el mundo de la mitología heróica para desplegar su potencia visual a través de un universo de dioses y hombres en el que la fantasía se mezcla con las leyendas de la antiguedad a través de un festival de cine de aventuras. Completan el reparto Freida Pinto (Slumdog Millonaire), John Hurt (El hombre elefante), Stephen Dorff (Somewhere) e Isabel Lucas (Transformers: La venganza de los caídos).
La secuencia que mostraron al público soprende por llevar el estilo de lucha un paso más allá. El empleo de cámara lenta, cámara rápida y el estilo comic avanzan un paso y consiguen enganchar al espectador con su violencia y estilización (se pueden ver varios fotogramas de la secuencia en la segunda parte del trailer, con esos cuerpos flotando a cámara lenta en el aire mientras los protagonistas se mueven con rapidez).
Seguimos dando pequeños detalles de lo que ha sido el fin de semana en Londres con el Empire Presents Big Screen. Durante uno de los paneles se pudo ver el trailer en exclusiva de The Raven, basado en los relatos de Edgar Allan Poe y con John Cusack de protagonista. Son las primeras imágenes que se ven de la película en Europa y la segunda ocasión que se proyectan en el mundo (como siempre, la Comic Con de San Diego tenía la primicia).
Como comprederéis es uno de los platos de mayor interés en Planta 13, porque Poe es de nuestros autores favoritos y la premisa, aunque ficticia, es prometedora. La película sigue los últimos días de vida del escritor, una zona oscura en su vida que los guionistas parecen haber rellenado con un thriller intenso y gótico como mandan los cánones del autor que inspira el guión.
Durante esos últimos días de vida, Poe será reclutado por la polícía para resolver una serie de crímenes basados en sus relatos y capturar al culpable (no sin antes ser acusado de comenterlos). Con una estética muy gótica y la oscuridad como factor dominante, The Raven es un cruce entre Seven y Misery, tal y como ya dijo el director James McTighe, quien ya triunfara en las pantallas con V de Vendetta.
Este pasado fin de semana hemos asistido al Empire Big Screen Presents, un evento que parece querer convertirse en el hermano gemelo de la Comic Con de San Diego. Y la verdad es que para ser su primer año no se les ha dado nada mal. Una de las exclusivas que pudimos disfrutar fue la proyección de los primeros 15 minutos de la nueva entrega de Destino Final.
En ella pudimos ver que la sangre no faltará y que estar rodada en 3D le da un toque fantástico al filme. Las muertes resultan "divertidas" (gracias a gestos de humor negro bastante agradecidos) y la gente se lanzó a aplaudir y gritar durante la proyección. Al más puro estilo Sitges. La película, desde luego, no será ninguna maravilla, pero es una saga que da lo que promete y que desde luego, ha ganado mucho con el 3D.
Durante esos primeros 15 minutos se cuenta la ya tipica introducción marca de la saga, en la que se ve la muerte de varios personajes uno a uno y luego el protagonista despierta del sueño y hace que todos salgan corriendo para huir de la masacre. Estad atentos a más actualizaciones porque el fin de semana ha dado mucho de sí....
No voy a entrar en los porqués del enorme retraso con el que nos llega Super 8 respecto a Estados Unidos ni en por qué esta película no ha arrasado en taquilla. Tampoco voy a resumir la trama ni copiar la sinopsis, para eso y más detalles pasaros por la ficha de la película que tienen nuestros compañeros de Sensacine. Lo que sí voy a hacer es dedicar unas lineas al por qué al menos los dos primeros actos del filme son pura magia cinematográfica.
De entrada, el primer plano de la película es ya una clase de cómo contar mucho con una sola imagen. Así, para empezar. Las motivaciones de los personajes, el ambiente que se respira y les rodea, el amor por el cine que emana cada momento en que los chicos ruedan su película de zombies... Todo. Absolutamente todo encaja en ese esquema de guiño/homenaje que J. J. Abrams se ha sacado de la manga este verano.
Es cierto que los decorados, las calles de ese barrio o suburbio en el que viven los protagonistas son un claro reflejo del ambiente que rodeaba a los protagonistas de E.T., pero no por ello deja de resultar fantástico lo bien definidos que están los elementos que lo componen. A nivel de guión todo está perfectamente definido en los inicios y el desarrollo de una trama que utiliza el accidente de tren y el misterio de la criatura como un mero McGuffin para contar una clásica historia del paso a la madurez de los chavales. Aunque si algo enriquece la profundidad del filme es la cantidad de temas flotando en el ambiente, entre el subtexto y las tramas secundarias (perdón, culpa, redención, confianza, amor...).
A nivel técnico también hay mucho que contar. La planificación de J.J. Abrams es preciosa, precisa, haciendo que la película pueda ser disfrutada y entendida casi sin necesidad de diálogo. El creador de Perdidos o Fringe muestra lo que ocurre con planos perfectos de una belleza intimista cuando lo requiere (las relaciones entre los chavales) o desplegando toda la espectacularidad que ya demostró en anteriores trabajos. Para ejemplo, toda la secuencia desde que los chicos llegan a la estación de tren hasta que huyen de ella es para quitarse el sombrero. Abrams demuestra un buen saber hacer con una cámara que no para de moverse y que fluye de un plano general a un plano detalle en un mismo movimiento sin cortes. Aunque para mi gusto es demasiado digital en algunos momentos, la espectacularidad de la secuencia es más que evidente y los chicos de ILM demuestran una vez más por qué llevan años siendo la empresa puntera en efectos digitales (tan sólo WETA Digital y su captura de movimento podría hacerles sombra).
En cuanto a la fotografía estoy seguro de que nuestra Natalia Vivancos podría extenderse en un análisis pormenorizado del gran trabajo realizado por Larry Fong, director habitual de Zack Snyder (300) y amigo personal de Abrams desde que ambos se unieran para rodar películas caseras con sus cámaras Super 8 después del colegio. Sólo detallaré que mantiene todos esos reflejos directos hacia la cámara que Abrams ya utilizó en Star Treck y que la belleza de las imágenes habla por sí sola al ser proyectada en la pantalla.
En el apartado sonoro tenemos una de las grandes candidatas del año al Oscar al mejor montaje de sonido, con un despliegue fantástico que incluye el gran soundtrack compuesto por otro habitual colaborador de Abrams: Michael Giacchino, quien además, realiza un pequeño cameo en la película como ayudante del Sheriff. Clásico, orquestral, intimista o espectacular, el score de Gicchino se adapta a cada tramo, a cada sensación, a cada emoción que evocan las imágenes de la pantalla.
Si Super 8 tiene un pero está sin duda en su clímax final, posíblemente el peor momento para flaquear. Así que quienes quieran librarse de spoilers, que salten directamente al siguiente párrafo. INICIO SPOILERS - El cara a cara entre la criatura y el protagonista es lo peor de una película en la que todo resultaba bastante creible (dentro de los parámetros de la ciencia ficción fantástica en los que nos movemos) y que pierde un tanto la estabilidad cayendo en la necesidad Spielbergiana de que el alien, como E.T., sólo quiere volver a casa. Y, cómo no, sólo se detiene ante nuestro protagonista porque... es nuestro protagonista (o eso, o se me escapó algo al verla en inglés) FIN SPOILERS
Excepto ese pequeño detalle del final, la película es una oda de amor al cine ochentero y buenrrollista tipo E.T., Los Gremlins o Los Goonies. El tipo de blockbuster que no sólo da la acción y espectacularidad que promete en los trailers, sino que rebosa alma y está guiada por las emociones.
Devyn Dalton, durante el rodaje de El Origen del Planeta de los Simios
Lo interesante de vivir o pasar una temporada en Los Angeles, en Hollywood, en la puñetera meca del cine, es que puedes estar tomándote una cerveza junto a Charlie Sheen o irte de fiesta con uno de los simios de El origen del Planeta de los simios. No, no tuve la suerte de cruzarme con Charlie Sheen tomándome una cerveza, pero sí que le vi a las puertas de los estudios Warner donde rodaban uno de sus últimos episodios para la serie Dos hombres y medio. Y sí, tuve la suerte de salir de fiesta y trabajar con Devyn Dalton, una joven actriz de Vancouver que conocí estudiando en la sede de la New York Film Academy en los Universal Studios de Los Angeles. Fue mi actriz protagonista en el primer corto que rodé allí y que por ahora no puedo enseñaros (estoy pensando en volver a rodarlo: mejor, más grande, mejorado). El caso es que la actriz ha trabajado con la gente de WETA en la captura de movimientos interpretando a varios de los simios de la película, incluido uno de los personajes clave: Cornelia. En exclusiva para Planta 13, entrevistamos a la actriz sobre su trabajo en la película.
Cesar (Andy Serkis) y Cornelia (Devyn Dalton)
Planta 13: ¿Cómo conseguiste el papel?
Devyn Dalton: Hice la audición para el papel en Mayo de 2010. No sabía mucho sobre la película en aquel momento, tan sólo que necesitaban actores capaces de interpretar a un chimpancé. Estudié sobre su comportamiento y fui a la audición. Me llamaron para una segunda prueba con el director y los productores y por suerte entré al proyecto.
Planta 13: ¿Cuanto tiempo aparece tu personaje en pantalla?
Devyn Dalton: Los simios aparecen durante toda la película. Es cierto que interpreto alguno de los principales pero hice fragmentos de muchas acciones para un buen puñado de diferentes simios así que supongo que salgo bastante. Todos y cada uno de los simios han sido creados por actores con el equipo de captura de movimiento y también han utilizado mucho de nuestro trabajo vocal como actores para los chimpacés.
P13: ¿Qué puedes contarnos de tu experiencia rodando la pelicula?
D.D: Fue increible participar en esta película. Aprendí mucho como actriz e intérprete y abrió mis ojos a todo un nuevo mundo cinematográfico. Nunca antes había experimentando interpretación con captura de movimientos y fue genial. Se ha puesto mucho esfuerzo y un gran trabajo en esta película, sólo espero que la gente vea lo maravilloso que puede ser ver a un actor interpretar a un simio. Todos los personajes de simios que interpreté tenían características diferentes, como actriz me permitió crear no sólo comportamientos animales sino diferentes grados de emociones y sentimientos, lo que consigue que todos conecten con la audiencia.
P13: ¿Qué sabías de la captura de movimientos?
D.D: No sabía nada de este arte pero pronto me puse al día y aprendí lo mucho que esta tecnología puede hacer por ti. La gente de Weta Digital es genial. Lo mejor y lo que más me ha enganchado de todo este proceso es que la interpretación del actor da vida a estas criaturas, a los chimpacés, de forma directa. Ver el producto final es tan emocionante como imaginaba y desde mi posición es divertido, porque conozco las verdaderas caras detrás de esas máscaras digitales.
Devyn Dalton, junto a Andy Serkis
P13: ¿Crees que un actor podría ganar un Oscar por una interpretación realizada con esta tecnología?
D.D: Sí, sí, sí y otra vez sí. Espero que el mundo vea lo maravilloso que es convertir actores de carne y hueso en simios o cualquier otra criatura o personaje. Andy Serkis, que interpreta a César y con el que trabajé codo con codo es un genio. Es increible y fue toda una bendición poder trabajar con él. Conoce muy bien esta tecnología y abraza estos papeles con mucha dedicación, como cualquier otro personaje o actor. Puedes verle trabajar con esa tecnología en los making off y cómo todos usamos captura de movimientos. Puedes ver lo real que es el resultado final con la interpretación del actor en los estudios. Pronto harán una categoria en los oscar para actores que trabajen con esta tecnologia y Andy Serkis será el primero en llevárselo a casa.
P13: ¿Qué diferencias tiene trabajar con esta tecnología para un actor?
D.D: Requiere mucha pasión, mucha entrega y trabajo. Realmente tienes que convertirte en tu personaje y utilizar al máximo la imaginación sin límites porque no llevas ningun vestido que te haga sentir como un chimpacé. Necesitas convertire en ese personaje sin ninguna otra ayuda que tu mismo. Es genial para un actor porque te empuja a aprender, a superar tus límites como actor y un vez estás allí no puedes echarte atrás. No sólo tienes que moverte, poner la voz y expresarte como un simio creible sino que tienes que tomar esa criatura y convertirla en un personaje con sentimientos. Espero poder trabajar más con esta tecnologiía y realmente deseo que esta película termine por abrir las puertas de esta tecnologia al cine. Es una auténtica forma de arte.
P13: ¿Cómo te entrenaste para el papel?
D.D: Combinar mis estudios de actuación y baile en esta película ha sido maravilloso. Además, de pequeña estaba obsesionada con estos animales. Creo que tenia treinta juguetes diferentes de monos y otros simios. Antes del rodaje entrenamos unas tres semanas antes de empezar a rodar. En ese tiempo Terry Notary nos enseñó a caminar, correr, luchar, sentarnos, dormir, comer y mover todo el cuerpo. Entrenamos mucho porque antes de poder hacer que tu persoanje sienta tienes que ser capaz de convertirte y sentirte uno de ellos.
Antes que nada, me gustaría comenzar agradeciendo a Diego Sánchez la oportunidad que me ha brindado al poder escribir en Planta 13. Así que Diego, gracias por tu confianza y por tu paciencia.
Respecto a mí, no recuerdo bien cuando comencé a sentir pasión por el cine, supongo que (como le pasa a la mayoría de locos que pretendemos dedicarnos a esto) es algo que lleva conmigo toda la vida. Por ese motivo empecé a estudiarlo hace cinco años y, aunque considero que todavía me queda mucho por aprender, puedo decir que este tiempo dedicándome a él me ha ayudado a conocer más cosas sobre este mundo. Sobretodo cosas que antes quizás ignoraba, como la historia del cine.
Es precisamente sobre esto de lo que pretendo hablaros en lo que serán mis entradas en este blog. No de historia del cine como tal, sino de cómo los grandes clásicos han influido (y lo siguen haciendo) en las películas que vemos hoy en día. Al fin y al cabo siempre se ha dicho que el presente es el resultado del pasado; y si estamos hablando de cine, esto se cumple más de lo que podamos imaginar. Todos los grandes directores se inspiran en las películas que han visto alguna vez, en los temas, las tramas, los personajes, las historias, etc. que ya han pasado por las pantallas de cine en otra época. Y quizás el cine de terror, suspense y ciencia ficción sean unos de los que más han nutrido a guionistas y directores para sus obras, aunque sea por el simple hecho de que este tipo de géneros existen prácticamente desde la aparición del séptimo arte y gozaron siempre de gran aceptación por parte del público.
Así que os invito a poder conocer un poco más sobre cine clásico de terror en Planta 13 y espero que lo disfrutéis tanto como yo lo hice en su momento cuando empecé a descubrirlo. Por ahora, os dejo con unas imágenes de Nosferatu.
Nuestros amigos de Sensacine han seleccionado a las quince mujeres y los quince hombres más actractivos de una de las series más calientes del momento (con permiso de Californication). Desde los primeros minutos de True Blood quedó claro que el sexo iba a ser una parte clave de la trama. Nada de vampiros castos, puros y sensibleros como en Crepúsculo. Eso no tiene sentido en la mitología vampírica. El vampiro es un animal sexual casi por definición. Hambriento de sexo, instintivo, violento, sediento de sangre y una absoluta máquina de atracción. Para prueba, una de las muchas escenas de sexo de la serie, un regalito junto a la lista realizada por nuestros compañeros. Hace calor, ¿o me lo parece a mi?
Francis Ford Coppola (quien a estas alturas dudo que necesite presentación) pasó por la Comic-Con de San Diego para presentar el primer vistazo a su próxima película, Twixt, con Val Kilmer y Elle Faning (Super 8). Una historia que mezcla el romance gótico con el cine terror, filtrada por el personal estilo del director. Un filme que surgió de un “sueño vívido” que tuvo el director. La historia está centrada en un novelista de terror por encargo (Kilmer) que comienza a tener visiones fantasmales que le llevan a explorar el asesinato de una joven (Fanning).
El Universo MARVEL es alucinante. Se lo tienen muy bien montado desde que con Iron Man dieron un petardazo mundial. Y es que con el arrollador carisma de Robert Downey Jr. y un guión que ya se ha convertido en marca de la casa, el filme, dirigido por Jon Favreau amasó sólo en Estados Unidos la cifra de 318 millones de dólares. Después han llegado el increible Hulk, Black Widow (introducida como secundaria en Iron Man 2) y Thor. Este fin de semana llega el Capitán América, el original primer vengador y que como todos los demás, será reclutado por Nick Furia, junto a otros personajes del universo MARVEL. Pero, por ahora, hablemos del Capi...
Capitán América: el Primer Vengador es una película de acción y aventuras con cierto aroma ochentero (un toque de James Bond y un chorrito de Indiana Jones bien mezclados bajo la casi infalible receta del Viaje del héroe). La cinta nos sumerge en los primeros años del universo Marvel a través de la traslación de este legendario cómic a la gran pantalla. Steve Rogers (Cris Evans, conocido por su papel de Antorcha Humana en la saga cinematográfica de Los cuatro fantásticos), endeble y tímido, quiere ser soldado y luchar por su país, pero por su físico es siempre rechazado hasta que se presente como voluntario para participar en un programa experimental que va a transformarle en un super-soldado vengador con unas descomunales capacidades físicas. A partir de ese momento será conocido con el sobrenombre de Captain America y se convertirá en símbolo de esperanza y justicia para su nación. Esta superproducción de cine de superhéroes cuenta además en el reparto con actores como Hugo Weaving (Matrix, El señor de los Anillos), Hayley Atwell (Los Pilares de la Tierra) y Tommy Lee Jones (Men in Black).
Tras las cámaras se encuentra un artesano como Joe Johnston (El hombre lobo), que hace un trabajo decente sin resaltar ni añadir un toque personal a la mezcla (como sí hiciera Kenneth Branagh en la planificación de Thor). A pesar de esa factura "de fábrica" el filme da lo que promete: acción, heroismo, efectos especiales y algo de humor (la prueba de la bandera durante el entrenamiento). Sí que me extraña algo que ocurre con todas estas películas. Ninguna de ellas ha conseguido crear una secuencia de acción que realmente deje con la boca abierta. Utilizan efectos digitales, efectos especiales en directo, ruedan en los mejores estudios y disponen de dinero para invertir. Pero aun cumpliendo con los deberes de dar acción y espectáculo, nunca se sacan de la manda una secuencia que me haya dejado con la boca abierta.
En este caso quizá lo más reseñable sea el apartado visual del antagonista. El amenazador Red Skull, encarnado por Hugo Weaving, es una calavera andante, cuyo rostro es deformado tras maquillaje y posproducción, con un efecto final muy bien conseguido. Además, su voz en la versión original impresiona de la misma forma que ya hiciera como Agente Smith en Matrix o con la soberbia encarnación del protagonsita de V de Vendetta.
En definitiva, la película es una pieza más dentro del puzzle de Los Vengadores, que ya se anuncia tras los créditos de esta. Os dejo con el trailer en castellano de El capitán América, aunque si queréis ver un avance de ese trailer post-créditos en el que [OJO] se ve la última secuencia de Capitán América, sólo tenéis que hacer click aquí.
Ya finalizada, cerramos el especial de la Comic Con de San Diego en lo que a videojuegos se refiere con dos apuntes introducidos en los dos últimos días.
Silent Hill Downpour (demo)
Todos aquellos que no pudieron disfrutar de la demo del juego durante el E3 de Los Ángeles tuvieron una segunda oportunidad durante la convención. Aparte de ello no hubo ninguna novedad reseñable, ya que Konami prefiere reservar nuevo material para los próximos meses precedentes a su lanzamiento a finales de Octubre.
Resident Evil: Operation Raccoon City (campaña individual)
Ya lo habíamos mencionado en la parte anterior, pero ahora además disponemos de las imágenes de la campaña individual para el equipo Umbrella. En la demo el jugador opta por elegir el personaje de Vector, entre cuyas habilidades destacan el camuflaje y sus artes marciales combinadas con el uso del cuchillo. Su misión consiste en aniquilar a León Kennedy, algo nada fácil si tenemos en cuenta a los zombis y otros monstruos (como los archiconocidos lickers y hunters) que pululan a sus anchas por Raccoon City.
En relación a la prolífica saga, Capcom hizo todo lo posible durante su panel para revelar lo menos posible sobre el título. En su lugar se habló de las revisiones de Resident Evil Code Veronica X y Resident Evil 4, cuyas mejoras consisten principalmente en su conversión a alta definición y un sistema de iluminación mejorado (algo quizás insuficiente para los fans). Resident Evil 4 HD saldrá al mercado el 20 de Septiembre y Resident Evil Code Veronica X HD lo hará el 27 del mismo mes, ambos a través de Xbox Live y Playstation Network.
Aprovechamos también para recordaros que la próxima gran cita del mundo gamer tendrá lugar entre el 18 y 22 de Agosto, durante la celebración de la Gamescom en Colonia (Alemania). Como no podía ser de otra manera, Planta 13 se encargará de realizar un especial con lo más señalado del evento, así que ¡no faltéis!
